Análisis de modos de producción posdramática/escenarios de la complejidad.

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A continuación realizo el análisis de tres piezas con respecto a su modo de producción posdrmática en los escenarios de la complejidad. Neues Museum Dialogue 09 de Sasha Waltz; Piezas distinguidas de La Ribot; y The Coast of Living de DV8.

            La primera porque me llamó la atención qué clase de intervención se proponía en el museo, pues además de apreciar la danza, quise explorar por la arquitectura ofrecida por David Chipperfield. Como arquitecta, aprecio la danza relacionada con el espacio; como bailarina aprecio la arquitectura que invita al movimiento.

            En esta pieza sentí cómo cada movimiento tenía una íntima relación y referencia al espacio que habitaba. No sólo el cuerpo dialogaba y contenía en sí mismo al espacio físico, sino que incluso el vestuario acentuaba las sensaciones. Por ejemplo, los movimientos en los espacios entre las columnas circulares remitían a esta circularidad transformándola en espirales. Me parecía que tanto la pieza en sí como su registro, si bien se expresaban mediante el movimiento del cuerpo, señalaban con fuerza hacia lo visual y lo escultórico. Quizá ahí, en lo escultórico es donde se encuentran la danza y la arquitectura, la carne y la piedra.

            La segunda pieza, Piezas distinguidas de La Ribot, me llamó la atención por el aparente caos en el espacio. Una sala llena de objetos, llena de posibles significados y resignificados. Me resultó impactante el modo en que La Ribot toma los objetos y los resignifica para criticar profundamente con una acción muy simple. Como ejemplo tomo la escena en la que lee unas instrucciones para activar un aparato y termina colocando un impermeable que la cubre por la cabeza y entonces lee la última instrucción: “espere pacientemente hasta la extinción total del aparato”.

            Su cuerpo desnudo, la simpleza y la franqueza de sus acciones, el discurso sencillo e incisivo, me conmovieron profundamente. A diferencia de la pieza anterior, donde todo era acerca del encuentro entre el espacio y el cuerpo, con La Ribot parecía el arremetimiento del cuerpo contra el espacio. No importa el lugar porque los significados los tenemos ya todos dentro de nosotros mismos, y ahí es donde ocurre el movimiento, la dislocación.

            La tercera pieza, The Coast of Living de DV8, es una pieza que conozco desde hace algunos años y que incluso tomé como ejemplo para alguna actividad anterior donde se preguntaba por piezas en donde lo real tuviera lugar.

            Esta pieza, si bien tiene su versión para teatro, es fundamentalmente una pieza cinematográfica. La fotografía, la composición, los diálogos se preparan y se van colocando para crear la pieza. La danza se presenta vinculada a la vida cotidiana y la vida cotidiana vinculada a la danza. Los personajes sienten, reflexionan, se presentan mediante sus movimientos particulares.

¿En qué radica su complejidad, según tu punto de vista, y según alguno los conceptos analizados (complejidad, rizoma, teatro post-dramático)?

Particularmente, las piezas que revisé, fueron piezas que me resonaron como parte de mi propio trabajo creativo y mis reflexiones. Por otra parte, debo decir que desde hace algunos años he ido valorando el trabajo interdisciplinar, pues yo misma me he formado en diversas disciplinas y he sentido cómo se alimentan las unas a las otras, así como su influencia para ampliar las percepciones de cada una. Ahora también comienzo a sentir un tránsito hacia la transdisciplina.

            Así, cuando danzo no puedo dejar de sentir el espacio como arquitecta, no sólo el espacio a mi alrededor, sino el espacio de mi propio cuerpo; y esta conexión con mi cuerpo, habitar mi cuerpo, ser cuerpo, me ha permitido experimentar más profundamente los espacios y sus sensaciones, sus movimientos, sus dinámicas, sus transformaciones. Y sobre todo ello, y debajo de todo ello, y alrededor de todo ello, persiste la necesidad de reflexionar con, desde, en, entre, hacia, hasta, para el/mi cuerpo que es cuerpos

            Considero que la complejidad de estas piezas radica en el vacío en el que crecen y suceden, como la hierba que retoman Deleuze y Guattari (2002), “[…] La hierba sólo existe entre los grandes espacios no cultivados. Llena de vacíos. Crece entre, y en medio de las otras cosas [..] la hierba es desbordamiento” (Miller, Henry. En: Deleuze & Guattari, 2002, pág. 23). Cuando miraba la pieza de Sasha Waltz sentía que ya no era danza lo que estaba mirando, sino algo en el medio de la Danza y la Arquitectura. Sentía que era una danza que se había salido de sí misma para encontrar el diálogo a través de una corporalidad como signo, el cuerpo emerge menos como significante que como provocación de una experiencia libre de sentido “que no encarna ni algo real ni un significado, sino que es una experiencia de lo potencial” (Lehmann, 2013, págs. 349-350).

            En cambio en la pieza de DV8 me parecía muy bello que la danza se tomara como la vida misma, hacer visible que todo el tiempo estamos danzando. ¿Cómo lograr que cuerpos entrenados en lenguajes fuera de los movimientos cotidianos se muestren y parezca que se mueven así en la cotidianidad?

           The cost of living me parece más una especie de documental acerca de la vida de los personajes que una película de danza. Es peculiar que lo que hace que la danza se desborde en esta pieza es su vuelta a lo simple, a los movimientos cotidianos que no son danza y, sin embargo, se presentan con marcado conocimiento técnico. La atención se dirige hacia las experiencias de los personajes y la traducción de éstas a la danza y la vuelta de la danza a los cuerpos que son susceptibles de experiencias. Se establece un intervalo resonante,  la acción no está “en la Tierra ni en la Luna, sino en el vacío intermedio, en el juego del eje y la rueda” (Mc Luhan, Marshall. En: Sánchez, S/F, párr. 14).

            En las Piezas distinguidas de La Ribot, la complejidad radica en la dislocación de los significados de los objetos que dispone en el espacio. No hay un diálogo con el lugar; el espacio se genera en los vacíos entre los objetos, donde las personas encuentran desde dónde mirar el cuerpo desnudo y la danza de significados.

            En esta pieza la danza no es del cuerpo, en todo caso es una danza de imágenes y sensaciones, de significados e imaginarios colectivos. El cuerpo en acción de La Ribot afecta a los espectadores, invitándoles a una comunicación entendida como contagio que no se basa en la transmisión de información, sino como una fusión y participación miméticas (Lehmann, 2013, pág. 253).

            Así, estas tres piezas desbordan los territorios de los que parten y se vierten sobre otros. La experiencia de mirarlos se desplaza constantemente de lo visual a lo kinético, de la danza a la escultura, de la acción a la arquitectura, del respirar al caer, de lo individual a lo colectivo, de lo Uno a lo múltiple.

¿Cómo crea la corporalidad su propia estética híbrida a partir de su relación con otra disciplina?

A esto me vienen dos reflexiones; por una parte, la problematización de la representación y la presentación, para abordar la corporalidad; y por otra parte la acotación de cómo utilizamos aquí el término estética y su encuentro con lo híbrido.

            Comenzaré acotando que en esta cuestión entiendo la estética como la producción de estímulos sensoriales reconocibles e identificables (incluso más allá de la producción artística); es decir, la estética de la corporalidad, es aquello que puedo percibir de la presencia del cuerpo, o más bien de los cuerpos en un mismo cuerpo. Así, hablar de una estética híbrida, se refiere al encuentro de una o más estéticas, el encuentro entre multiplicidad de maneras reconocibles de producir estímulos sensoriales y que son identificables.

            En este sentido, cada disciplina tendría su propia o propias maneras de producir estímulos sensoriales que les son atribuibles. La estética de la Arquitectura, la estética de la Biología, la estética de la Danza, la estética de la Filosofía, la estética del Urbanismo, la estética de las ingenierías, etcétera. Estas estéticas, además de formarse por los materiales y formas de que se constituye, producen y reproducen corporalidades.

             Fernando Toriijos (1988), dice que la utilización estética es “una actividad que consiste en transformar materiales mediante una actitud creativa y poblar el entorno con signos cuya misión final es comunicar, mediante un repertorio simbólico consensuado, la descripción que de la realidad hace cada comunidad” (Toriijos, 1988, pág. 17). En ese sentido la creación estética híbrida puede entenderse como el espacio intermedio en el que se encuentran, por su desborde, los materiales, formas, cuerpos y símbolos entre campos de conocimiento.

            A ello, cuando decía que mirando la pieza de Sasha Waltz sentía que ya no era danza lo que miraba, sino una danza desbordada; era que los cuerpos se habían impregnado de arquitectura, que la estética del cuerpo que danza se había expandido de ese cuerpo hacia un cuerpo-arquitectura que danza, un cuerpo-danza que arquitectura.

               Concluyo retomando lo que Xanti Schawinski (1971) planteó, “un estudio general de los fenómenos fundamentales: espacio, forma, color, luz, sonido, música, movimiento, tiempo, etcétera” (Schawinski, X. En: Sánchez, S/F, párr. 33). Atendiendo a estos fenómenos fundamentales podemos podemos apreciar que las fronteras entre las disciplinas son permeables y difusas y que podemos transitarlas.

 

Referencias

Baudrillard, J., & al., e. (1985). La Posmodernidad. Barcelona: Editorial Kairós.

Deleuze, G., & Guattari, F. (2002). Mil mesetas. Capitalismo y esquizofrenia. Valencia: PRE-TEXTOS.

Lehmann, H.-T. (2013). Teatro Posdramático. México: Paso de Gato.

Sánchez, J. A. (S/F). La investigación transdisciplinar.

Toriijos, F. (1988). Arte efímero y espacio estético. México: Anthropos Editorial.

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